Artigo sobre a evolução da escultura até a Escultura Contemporânea
Agnaldo Farias
A afirmação da escultura
Em conversa exclusiva com a Revista E, Agnaldo Farias, professor de história da arte na USP e curador da representação brasileira da XXV Bienal de Arte de São Paulo, falou sobre os diversos aspectos da produção escultórica contemporânea
A escultura sofreu modificações radicais ao longo do século até chegar à noção de instalação, na qual, em vez de haver um objeto no espaço, há algo que eventualmente pode até se confundir com o próprio espaço.É interessante partir da noção mais clássica, a de Rodin (Auguste Rodin, 1840-1917). Entre os aspectos interessantes da obra dele está o fato de que ele é o ápice e ao mesmo tempo o começo do declínio de uma certa noção de escultura - a escultura como monumento. E, como monumento, ela "monumentaliza" figuras históricas, grandes passagens que merecem ser cultuadas, heróis ou mesmo figuras mitológicas. Em um momento seguinte, surge uma figura como o Brancusi (Constantin Brancusi, 1876-1957), que busca tematizar a própria base da escultura. O pedestal da escultura, na medida em que é um corpo, um objeto tridimensional, também é escultura. Ao pensar isso, Brancusi "tira" a escultura do pedestal, ou o pedestal sobe até a escultura. Essa ação se dá de maneira recíproca, face a face, lado a lado. Há, portanto, uma completa alteração do estatuto da escultura. Também curioso é que ele passa a usar materiais polidos. Faz com que as peças sejam reflexivas, que funcionem quase como um espelho. Nesse momento, a escultura não divide mais o espaço, ela o reflete. O espaço está nela, na superfície da escultura. Outro passo importante dentro dessa discussão é dado pelo artista russo Tatlin (Vladimir Tatlin, 1885-1953). O Tatlin parte para uma escultura que não se localiza mais no centro do espaço. Ela é projetada para a parede. Tatlin faz peças que são de canto, relevos de canto, e ele faz isso influenciado pelos relevos que Picasso fez em sua fase cubista. Além disso, surgem cabos de aço que atravessam o espaço de uma parede a outra. Aí, nem bem é pintura, nem bem é escultura. Não é nem uma coisa nem outra. É um objeto híbrido. Nesse momento, a temática deixa de ser figurativa. Em Rodin você tem pessoas. Em Brancusi, embora ele vá abstraindo, o trabalho ainda é figurativo. Em Tatlin, não. O que ele tematiza são as forças, a energia, a tensão, o peso, a textura. A obra é auto-referente. O material fala de si, não fala de nada externo a ele. Outra passagem interessante é o Calder (Alexander Calder, 1898-1976), que é encafifado com o fato de que a escultura sintetiza a gravidade. Mesmo que se tirasse o pedestal, ela estava no chão. Ele criou então os móbiles, que são esculturas suspensas que ficam perpetuamente se movimentando. É um trabalho de estrutura muito interessante, no qual as forças vão sendo dirimidas. É oscilante, frágil como os galhos ou as folhas de uma árvore que se alteram com a menor ação do vento. Esse é um passo bastante interessante, pois Calder de fato suprime a gravidade, suprime o peso, a base. A escultura continua sujeita à gravidade, mas de uma outra maneira. Outro artista importante é Alberto Giacometti (1901-1966). O homem é o grande tema de seu trabalho - o homem moderno, na iminência da guerra, ou depois da Segunda Guerra Mundial. Ele faz esculturas verticais, de um homem magro, esquálido, longelíneo, feito com pouquíssima matéria. São muito frágeis as esculturas que ele constrói. Chega um momento em que a escultura não se suporta, quase que se autodestrói. Ela expressa a visão de homem que o artista tem, como se fosse difícil a sua sobrevivência. No entanto, mantém a verticalidade de homem. É a tentativa de estar de pé não obstante todas as intempéries, as dificuldades. É muito forte, muito potente, o trabalho do Giacometti.Em um outro passo bem drástico, chega-se a uma visão muito mais contemporânea de escultura. Trata-se de Richard Serra (1939-). Esse artista americano passa a pensar a escultura não mais necessariamente como objeto, mas como atitude, como ação. Em meados dos anos 60, ele define a escultura como sendo dobrar, amassar, estirar - a escultura como uma ação de formalização do homem, que trabalha, opera sobre o mundo, sobre a matéria que o mundo oferece. E aí, pensando numa escultura que seja o resultado desse processo, temos peças que são, por exemplo, chumbo jogado na parede. Ao olhar a peça, percebe-se a ação envolvida no seu resultado, remonta-se o processo. Preocupado em deixar isso mais explícito, em buscar novas soluções para o mesmo tema, ele vai trabalhar com peças de apoio, como grandes folhas de chumbo e peças de metal escoradas umas nas outras. Há uma relação tensa entre as peças, um evidenciamento de tensões, de forças. Era para isso que ele estava querendo chamar a atenção. Por fim, há o trabalho de dois artistas brasileiros. O primeiro é o Waltercio Caldas (1946-), que é um mestre do silêncio e do vazio. É uma escultura quase invisível. Ele trabalha muito freqüentemente com material polido, cromado, à maneira do Brancusi. Mas ele também trabalha com fios de náilon, com vazios, com espelhos, com vidros. E quando se olha para a peça, às vezes nem sequer a vemos. É interessante uma escultura que trabalha no limite do corpo, no limite da "fisicalidade". Mais um pouco e ela não mais existe.Um outro raciocínio muito curioso é o do Carlos Fajardo (1941-). No caso, trata-se de uma exposição que ele fez, no final dos anos 80, em uma grande sala cúbica projetada pelo Ruy Ohtake. Ele trabalhou com tapumes e tijolos. Foi criando uma série de situações em que, por assim dizer, foi tensionando o espaço, obrigando o espectador a fazer uma série de gestos diferentes, quase uma coreografia. É toda uma dança que se realiza com o próprio corpo.Uma característica geral da escultura contemporânea é a variedade. Quando pensamos na arte moderna, por exemplo, pensamos em movimentos, em tendências. Podem-se enxergar vários artistas que são mais ou menos semelhantes. A grande característica da arte contemporânea é que, na verdade, não há um denominador comum, ela é multifacetada. Sua característica mais marcante é a heterogeneidade. Você tem uma infinidade de modos de se pensar o espaço, de se pensar a escultura. O conceito foi tão testado, tão expandido, que arrebentou. E entre as diversas modalidades que surgiram desse estilhaçamento nasce o conceito de instalação. Já não é uma peça que vemos de fora, como a escultura tradicional. A instalação é uma escultura em que se entra, que envolve vários sentidos: olfato, visão, tato. É uma sensação de sinestesia. Agnaldo Farias ministrou a palestra "Esculpindo o Espaço" dentro da programação do evento O Espaço na Arte Contemporânea, do Sesc Ipiranga.
Agnaldo Farias
A afirmação da escultura
Em conversa exclusiva com a Revista E, Agnaldo Farias, professor de história da arte na USP e curador da representação brasileira da XXV Bienal de Arte de São Paulo, falou sobre os diversos aspectos da produção escultórica contemporânea
A escultura sofreu modificações radicais ao longo do século até chegar à noção de instalação, na qual, em vez de haver um objeto no espaço, há algo que eventualmente pode até se confundir com o próprio espaço.É interessante partir da noção mais clássica, a de Rodin (Auguste Rodin, 1840-1917). Entre os aspectos interessantes da obra dele está o fato de que ele é o ápice e ao mesmo tempo o começo do declínio de uma certa noção de escultura - a escultura como monumento. E, como monumento, ela "monumentaliza" figuras históricas, grandes passagens que merecem ser cultuadas, heróis ou mesmo figuras mitológicas. Em um momento seguinte, surge uma figura como o Brancusi (Constantin Brancusi, 1876-1957), que busca tematizar a própria base da escultura. O pedestal da escultura, na medida em que é um corpo, um objeto tridimensional, também é escultura. Ao pensar isso, Brancusi "tira" a escultura do pedestal, ou o pedestal sobe até a escultura. Essa ação se dá de maneira recíproca, face a face, lado a lado. Há, portanto, uma completa alteração do estatuto da escultura. Também curioso é que ele passa a usar materiais polidos. Faz com que as peças sejam reflexivas, que funcionem quase como um espelho. Nesse momento, a escultura não divide mais o espaço, ela o reflete. O espaço está nela, na superfície da escultura. Outro passo importante dentro dessa discussão é dado pelo artista russo Tatlin (Vladimir Tatlin, 1885-1953). O Tatlin parte para uma escultura que não se localiza mais no centro do espaço. Ela é projetada para a parede. Tatlin faz peças que são de canto, relevos de canto, e ele faz isso influenciado pelos relevos que Picasso fez em sua fase cubista. Além disso, surgem cabos de aço que atravessam o espaço de uma parede a outra. Aí, nem bem é pintura, nem bem é escultura. Não é nem uma coisa nem outra. É um objeto híbrido. Nesse momento, a temática deixa de ser figurativa. Em Rodin você tem pessoas. Em Brancusi, embora ele vá abstraindo, o trabalho ainda é figurativo. Em Tatlin, não. O que ele tematiza são as forças, a energia, a tensão, o peso, a textura. A obra é auto-referente. O material fala de si, não fala de nada externo a ele. Outra passagem interessante é o Calder (Alexander Calder, 1898-1976), que é encafifado com o fato de que a escultura sintetiza a gravidade. Mesmo que se tirasse o pedestal, ela estava no chão. Ele criou então os móbiles, que são esculturas suspensas que ficam perpetuamente se movimentando. É um trabalho de estrutura muito interessante, no qual as forças vão sendo dirimidas. É oscilante, frágil como os galhos ou as folhas de uma árvore que se alteram com a menor ação do vento. Esse é um passo bastante interessante, pois Calder de fato suprime a gravidade, suprime o peso, a base. A escultura continua sujeita à gravidade, mas de uma outra maneira. Outro artista importante é Alberto Giacometti (1901-1966). O homem é o grande tema de seu trabalho - o homem moderno, na iminência da guerra, ou depois da Segunda Guerra Mundial. Ele faz esculturas verticais, de um homem magro, esquálido, longelíneo, feito com pouquíssima matéria. São muito frágeis as esculturas que ele constrói. Chega um momento em que a escultura não se suporta, quase que se autodestrói. Ela expressa a visão de homem que o artista tem, como se fosse difícil a sua sobrevivência. No entanto, mantém a verticalidade de homem. É a tentativa de estar de pé não obstante todas as intempéries, as dificuldades. É muito forte, muito potente, o trabalho do Giacometti.Em um outro passo bem drástico, chega-se a uma visão muito mais contemporânea de escultura. Trata-se de Richard Serra (1939-). Esse artista americano passa a pensar a escultura não mais necessariamente como objeto, mas como atitude, como ação. Em meados dos anos 60, ele define a escultura como sendo dobrar, amassar, estirar - a escultura como uma ação de formalização do homem, que trabalha, opera sobre o mundo, sobre a matéria que o mundo oferece. E aí, pensando numa escultura que seja o resultado desse processo, temos peças que são, por exemplo, chumbo jogado na parede. Ao olhar a peça, percebe-se a ação envolvida no seu resultado, remonta-se o processo. Preocupado em deixar isso mais explícito, em buscar novas soluções para o mesmo tema, ele vai trabalhar com peças de apoio, como grandes folhas de chumbo e peças de metal escoradas umas nas outras. Há uma relação tensa entre as peças, um evidenciamento de tensões, de forças. Era para isso que ele estava querendo chamar a atenção. Por fim, há o trabalho de dois artistas brasileiros. O primeiro é o Waltercio Caldas (1946-), que é um mestre do silêncio e do vazio. É uma escultura quase invisível. Ele trabalha muito freqüentemente com material polido, cromado, à maneira do Brancusi. Mas ele também trabalha com fios de náilon, com vazios, com espelhos, com vidros. E quando se olha para a peça, às vezes nem sequer a vemos. É interessante uma escultura que trabalha no limite do corpo, no limite da "fisicalidade". Mais um pouco e ela não mais existe.Um outro raciocínio muito curioso é o do Carlos Fajardo (1941-). No caso, trata-se de uma exposição que ele fez, no final dos anos 80, em uma grande sala cúbica projetada pelo Ruy Ohtake. Ele trabalhou com tapumes e tijolos. Foi criando uma série de situações em que, por assim dizer, foi tensionando o espaço, obrigando o espectador a fazer uma série de gestos diferentes, quase uma coreografia. É toda uma dança que se realiza com o próprio corpo.Uma característica geral da escultura contemporânea é a variedade. Quando pensamos na arte moderna, por exemplo, pensamos em movimentos, em tendências. Podem-se enxergar vários artistas que são mais ou menos semelhantes. A grande característica da arte contemporânea é que, na verdade, não há um denominador comum, ela é multifacetada. Sua característica mais marcante é a heterogeneidade. Você tem uma infinidade de modos de se pensar o espaço, de se pensar a escultura. O conceito foi tão testado, tão expandido, que arrebentou. E entre as diversas modalidades que surgiram desse estilhaçamento nasce o conceito de instalação. Já não é uma peça que vemos de fora, como a escultura tradicional. A instalação é uma escultura em que se entra, que envolve vários sentidos: olfato, visão, tato. É uma sensação de sinestesia. Agnaldo Farias ministrou a palestra "Esculpindo o Espaço" dentro da programação do evento O Espaço na Arte Contemporânea, do Sesc Ipiranga.
O escultor Jason DeCaires Taylor construiu um museu subaquático no fundo do mar em Cancún, no México. Com cerca de 200 esculturas de cimento submersas.
DeCaires espera criar um suporte para os corais marinhos da região, ameaçados pelo turismo intensivo.
Ao colocar suas peças no fundo do mar, o escultor perde o controle sobre elas, que passam a ficar à mercê da natureza. A colonização da vida marinha deve mudar constantemente sua aparência e cores.
Veja Galeria de fotos clicando aqui.
TERRAFORM– v.t.
(literally, "Earth-shaping") the process of deliberate modification
of
the atmosphere, temperature, surface topography or ecology to be similar to those of
Earth to make it habitable by humans.
Veja mais:
http://www.cannonsculpture.net/
the atmosphere, temperature, surface topography or ecology to be similar to those of
Earth to make it habitable by humans.
http://www.cannonsculpture.net/
Uma das possibilidades de construção de esculturas de concreto é através de fôrma perdida.
Tudo começa na construção do original em argila, logo após tira um molde de gesso (este molde deve ser dividido em algumas partes, pelo menos duas), é o que chamamos molde perdido (argila e gesso trabalham bem juntos), pois provavelmente você não se preocupará que tudo no molde tenha "saída", então conforme você tira o original (seu modelo) do molde, a argila vai quebrando.
Depois o molde deve ser limpo, fechado e preenchido com cimento (cimento e gesso também trabalham muito bem juntos). A mistura do cimento é mais forte que a utilizada em construção, podendo chegar em até 1 de cimento para 1 de areia. Recomendo utilizar o mínimo de agua possível e bater, vibrar a forma para o cimento acentar.
Depois de seco, a fôma de gesso deve ser quebrada (por isso o nome fôrma perdida)
A peça de cimento ainda deverá ter um acabamento,podendo ser utilizada uma nata de cimento = cimento + cola branca, e por último um verniz, existem vernizes especiais para cimento em lojas de construção.
O resultado final fica lindo, é uma excelente forma de finalizar uma escultura com custos muito baixos e inclusive é uma obra que pode ficar no tempo, como um jardim por exemplo.
quinta-feira, 31 de maio de 2012
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Feira de Artes, Maravilhas e Esquisitices domingo, dia 3 de junho!
Para não haverem mais dúvidas, é só clicar e consultar:
https://repositorio.ufba.br/ri/bitstream/ufba/143/1/Manual%20de%20estilo%20academico.pdf
As entrevistas editadas neste e-book foram realizadas pelo pesquisador André Mesquita entre 2005 e 2007, e fazem parte da pesquisa realizada para o livro Insurgências poéticas: arte ativista e ação coletiva, publicado pela editora Annablume em 2011. As entrevistas apresentam tamanho, conteúdo e percurso variados, e não foram dispostas de maneira cronológicas, mas de acordo com os teóricos, coletivos e artistas citados durante os capítulos do livro.
O e-book contém entrevistas com: Gregory Sholette, Geert Lovink, Guerrila Girls, ACT UP, Beatriz da Costa, subRosa, Yomango, The Yes Men, Mark Dery, Stewart Home, Adbusters, Negativland, BUGA UP, Billboard Liberation Front, Carly Stasko, Jorge Rodriguez-Gerada, Mario Ramiro, Poro, Entorno, Grupo de Interferência Ambiental, Graziela Kunsch, Contrafilé, Frente 3 de Fevereiro, A Revolução Não Será Televisionada, Cia. Cachorra, Fabiane Borges, Esqueleto Coletivo, Mariana Cavalcante.
http://andremesquita.redezero.org/livro/insurgenciaspoeticas-entrevistas.pdf
Processo Criativo é um curta documental que busca investigar os contextos, as diferenças e as proximidades entre a criação em artes plásticas, design e propaganda, atividades distintas do fazer artístico que apresentam similaridades em suas realizações.
O documentário foi criado a partir de entrevistas com diferentes personalidades atuantes no mercado artístico contemporâneo carioca, os artistas Carlos di Celio “Russo”, Cadu Costa, Charles Watson, Felipe Taborda, Heleno Bernardi e Maria Nepomuceno. Através de suas opiniões procura-se entender as dinâmicas envolvidas em cada uma das três áreas, como se configuram os contextos de criação, o que diferencia a criação entre uma e outra área, ou se os processos se tornam relevantes para o produto final.
Em um segundo nível busca-se apresentar o processo criativo pessoal de cada um dos entrevistados da maneira como ele normalmente ocorre. Seus percursos, os aspectos levados em consideração e a maneira com que se relacionam com os projetos que fazem.
O documentário foi criado a partir de entrevistas com diferentes personalidades atuantes no mercado artístico contemporâneo carioca, os artistas Carlos di Celio “Russo”, Cadu Costa, Charles Watson, Felipe Taborda, Heleno Bernardi e Maria Nepomuceno. Através de suas opiniões procura-se entender as dinâmicas envolvidas em cada uma das três áreas, como se configuram os contextos de criação, o que diferencia a criação entre uma e outra área, ou se os processos se tornam relevantes para o produto final.
Em um segundo nível busca-se apresentar o processo criativo pessoal de cada um dos entrevistados da maneira como ele normalmente ocorre. Seus percursos, os aspectos levados em consideração e a maneira com que se relacionam com os projetos que fazem.
Processo Criativo from Raul Taborda on Vimeo.
Deve ter sido uma visão e tanto a da sala principal da Maria Antonia vazia em noite de abertura, o público todo contido pela pequena grade branca alinhada às duas primeiras colunas do espaço. Algo como aquelas peças do Serra que vão espremendo as pessoas mais e mais. Só que, aqui, o muro era invisível, tênue. Da parte da sala a que as pessoas tinham acesso, via-se uma peça de gesso travada no vazio.
"Não tem aquela coisa de chegar perto, encostar, colocar a lata de cerveja em cima e chamar de meu chapa!" (1)
O título deste trabalho de Carlito Carvalhosa seria, originalmente, "Perna de três", mas acabou ganhando o nome "Favor não tocar" durante a construção da obra, depois que o artista decidiu que haveria uma barreira impedindo a circulação. O conhecimento deste nome-que-não-foi-mas-poderia-ter-sido possibilita uma primeira aproximação entre a escultura em exibição no Ceuma e uma série de esculturas que o artista realizou no MuBE em 1999, intitulada "Duas águas".
Para continuar lendo, clique aqui
PRÊMIO FUNARTE DE ARTE CONTEMPORÂNEA 2012
Estão abertas as inscrições, até 20 de abril de 2012, do PRÊMIO FUNARTE DE ARTE CONTEMPORÂNEA 2012 para os espaços expositivos da Funarte nas cidades de São Paulo, Recife, Brasília e Belo Horizonte.
Para ler os editais acesse o link http://www.funarte.gov.br/artes-visuais/
Encontrei estes trabalhos pela internet e percebi que segue a mesma linha de pensamento do meu, só que com materiais diferentes. O primeiro artista trabalha com papel e acrílico, o segundo com fotografias rasgadas e o último com papel e madeira. E por último uma foto do meu trabalho em construção, mas que já dá pra perceber a similaridade de formas, assim como as diferenças dos materiais
"Boxes" Charles Clary
"Photo Constructs" Scott Hazard
"Pedestal" Jen Stark
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-Tami
É dada a largada para mais um semestre de produções intensas!
Este blog tem a pretensão de funcionar como um núcleo de informações e comunicação entre todos. Ele também serve de registro histórico e referência para próximas turmas
Sejam bem vindos novos integrantes desse processo, espero que estejam todos dispostos, pois foi isso que decidiram fazer de suas vidas e estou aqui para contribuir!
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